Votos de Feliz Páscoa

Francisco de Zurbarán

"Agnus Dei"

c. 1635-40

Óleo sobre tela, 36x62 cm

Museu Nacional del Prado, Madrid

Para todos uma Páscoa Feliz !

 

Zurbarán retrata o padroeiro dos pintores

Francisco de Zurbarán

"Cristo na cruz com São Lucas"

c. 1635-1640

Óleo sobre tela, 105x84 cm

Museu do Prado, Madrid

Nesta tela Zurbarán surpreende-nos tanto pela composição como pelo conteúdo, nela parece ter dado largas ao seu prazer em pintar este tema.
Pela primeira vez na história da pintura  São Lucas surge  diante da cruz de Jesus.
O santo aparece com uma paleta na mão, dirigindo um olhar piedoso para Jesus, mas decidido a pintá-lo.

Este santo é o padroeiro dos  pintores pois, segundo a lenda, ele pintou o retrato da Virgem com o Menino.  Há quem defenda que Zurbarán se auto-retratou na figura de São Lucas. 

A finitude da vida - Vanitas

Se Cristo morreu na cruz para salvar os homens, os homens devem perceber que a sua existência é finita e viver a vida com  humildade.
Foi este sentimento que grande número de naturezas-mortas, Vanitas, procurou realçar.
A vaidade  humana, a natureza efémera da vida e a contemplação dos verdadeiros valores cristãos foram temas predominantes deste género artístico.
Nos finais do século XVI e no século XVII muitas obras traziam, através dos objectos que apresentavam, uma mensagem muito clara: "Lembra-te que vais morrer"; é uma reacção à arte que mostrava a riqueza e os bens terrenos.

Harmen Steenwijk

Natureza-morta Vanitas

c. 1640-1650

Óleo sobre madeira, 58,9x74 cm

Museu Stedelijk `De Lakenhal´, Leiden

A caveira, os livros e a fruta comida por vermes identificam esta pintura como uma representação alegórica do carácter finito de qualquer existência.
Atrás da caveira está um poste de madeira ligado a uma trave que é parcialmente oculta pela margem superior do quadro. Podemos ver aqui uma referência à cruz de Cristo.

Hieronymus Bosch - Ecce Homo

Nestes dias que antecedem a Ressurreição de Cristo, como não relembrar o longo caminho que O levou ao Calvário e que tem sido representado, vezes sem conta, por artistas de todas as épocas?

Hieronymus Bosch

"Ecce Homo"

1515/1516

Óleo sobre madeira, 74,1x81 cm

Museum voor Schone Kunsten, Ghent

Este trabalho de Hieronymus Bosch aborda o tema da humilhação pública de Cristo, de modo a provocar a simpatia e a identificação do observador, com a sofrimento de Jesus.

Jesus aparece rodeado por um conjunto de personagens que mostram sentimentos de desprezo e alegria perante  o sofrimento alheio. As faces deformadas destes verdugos manifestam grande crueldade e ignorância.

Os trabalhos de Eva Afonso

Eva Afonso

"Palácio de Monserrate" - Sintra

2013

Óleo sobre tela - 50x65 cm 

A "Art Brut" de Jean Dubuffet

Da vasta colecção do Musée National d´Art Moderne - Centre Georges Pompidou em Paris, fazem parte obras de pintores como Georg Grosz, Matisse, Picasso, Georges Braque, Kandinsky, Malévitch, Paul Klee,  Duchamp, Mondrian, Otto Dix, Miró, Bacon ou Pollock, grandes nomes da pintura mundial.
Mas foi uma obra de Jean Dubuffet que, há mais de 20 anos, fez a capa do catálogo deste Museu e é sobre este pintor que me vou deter neste post.

Jean Dubuffet nasceu em 1901 no Havre e morreu em 1985 em Paris.
Iniciou a sua formação artística na Escola de Belas-Artes no Havre e completou-a na Académie Julian em Paris. Durante alguns anos dedicou-se à pintura, até que cheio de dúvidas questionou a sua arte e abandonou a carreira artística.
Em 1942 retomou a sua actividade artística, manifestando-se, no entanto, contra a "cultura asfixiante" tanto através da pintura como da escrita. Jean Dubuffet duvida de todo o academismo, rejeita o elitismo em arte, recusa tudo o que cerceia a criatividade, por isso, vira as costas à arte dos museus e procura as suas referências culturais nas artes primitivas, no desenho das crianças ou na produção da "Arte Bruta".
Em 1948 cria, com outros pintores, a Companhia da Arte Bruta, usando o termo "L´Art Brut" para descrever a arte dos doentes mentais, das crianças ou mesmo das pessoas sem formação artística.
Jean Dubuffet dá a maior importância aos materiais, usa-os de forma crua e rude. Tritura "massas" (pastas, barro, asfalto, areia ...) usando-as de modo a criar relevos, traços impulsivos e figurações elementares.

" ... a arte de Dubuffet é na verdade "crua" ; (...) Se a sua obra se limitasse a imitar a arte bruta das crianças e dos loucos, não iriam estas convenções, por ele criadas, limitá-lo tanto como as da elite artística? Parece-nos que sim (...) ." *

Na  obra Le Metafisyx, da série Corps de Dame,  " a tinta é tão espessa e opaca como uma camada de gesso e os traços que articulam o corpo compacto são riscados nessa superfície como grafitti feitos por mão experiente." *

Jean Dubuffet

"Le Metafisyx"

1950
Óleo sobre tela, 116x89 cm
Musée National d´Art Moderne, Paris

" Mas as aparências podem enganar; a fúria e concentração do ataque deveriam bastar para nos convencer de que a fêmea demoníaca não é "coisa que qualquer criança pode fazer". Numa eloquente declaração, o artista explicou a finalidade de imagens como esta: " O corpo feminino... está há muito associado a uma noção especiosa de beleza ... que eu acho miserável e deprimente. Certamente que sou pela beleza , mas não aquela ... Tenciono varrer, sem hesitações, tudo aquilo em que nos têm ensinado a acreditar, como graça e beleza, e  substituí-lo por uma outra beleza, mais vasta (...) . Gostaria que as pessoas vissem a minha obra como uma tentativa de reabilitação de valores desdenhados..." * 

Mas voltando à obra de Dubuffet, que  fez capa do catálogo do Museu Nacional de Arte Moderna, em Paris ...
 Foi ao olhar para ela que decidi escrever sobre este artista.

Jean Dubuffet

" Rue Passagère"

1961
Óleo sobre tela, 129x161 cm
Musée National d´Art Moderne, Paris

Esta obra, datada de 1961, foi executada depois de um período em que Dubuffet experimentou vários materiais aos quais juntava a pintura a óleo.
Nela podemos ver as características da Arte Bruta: a vivacidade das cores, a falta de perspectiva, a espontaneidade do traço ... A Rue Passagère é um prenúncio do ciclo Hourloupe, iniciado em 1962 e concluído em 1974 em que de forma muito gráfica usou a cor na sua forma mais simples ( o vermelho, o branco e o azul), a figura humana e as multidões.

* Janson, H.W. - História da Arte, Lisboa, Fundação Calouste Gulbenkian, 1977

Os trabalhos de Eva Afonso

Eva Afonso

"Vaso com flores silvestres"
2012
Óleo sobre tela, 65x50 cm

Desafios ... Resposta - Futurismo

Resposta ao Desafio anterior: Futurismo

Os avanços tecnológicos e as descobertas científicas dos finais do séc. XIX e princípio do séc.XX influenciaram as mais diversas áreas culturais. Entre 1909 e 1916 publicaram-se mais de 50 manifestos que reflectiam as mudanças e o progresso vividos na sociedade. Surgiram manifestos de pintura, teatro, dança, literatura, cozinha ...
Em 1909, o escritor e poeta milanês Fillipo Tommaso Marinetti lançou, em Paris, no jornal "Le Figaro", um manifesto provocador, intitulado "Manifesto do Futurismo". Nele assume uma grande confiança no futuro, afirmando: " É da Itália que lançamos este nosso manifesto de uma violência subversiva e incendiária, com o qual fundamos hoje o futurismo, porque queremos libertar este país (Itália) da sua fétida gangrena de professores, arqueólogos, cicerones e antiquários". É sem dúvida uma censura ao tradicionalismo académico e ao passadismo da cultura burguesa, preconizando que a arte deveria ter uma relação muito estreita com a vida.

Em 1910 os pintores Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo, Giacomo Balla e Gino Severini lançaram o "Manifesto Técnico de Pintura Futurista" em que assinalaram a diferença  entre a arte existente e aquela que pretendiam fazer, escrevendo: "os pintores (anteriores) mostram-nos sempre as coisas e pessoas colocadas à nossa frente. Nós colocamos o espectador dentro do quadro".
Os futuristas trazem a vida quotidiana para dentro dos quadros, muitos artistas o tinham feito antes, mas agora também o movimento e o ruído passaram a ser "visíveis". Os pintores deste movimento fragmentaram as telas em facetas, decompondo as imagens  para transporem para os quadros o movimento e os barulhos urbanos. Glorificaram a velocidade e o seu principal objectivo era transmitir o dinamismo mecânico da vida contemporânea, chegando mesmo a afirmar que " ... um automóvel de corridas, um carro a acelerar ... é mais belo que a Vitória de Samotrácia".

Umberto Boccioni

"O Ruído da Rua penetra dentro de Casa"

1911

Óleo sobre tela, 70x75 cm

Sprengel Museum, Hanôver

Este  foi o quadro que escolhi para o Desafio anterior.
Nele Boccioni transmite o movimento da rua: a energia dos operários a trabalhar nas obras empurra as casas para as extremidades do quadro, fazendo com que o espaço e a arquitectura se partam em pedaços, o que cria uma perspectiva original.

Além do movimento Boccioni  quis também transpor para a tela o ruído, intitulando-a mesmo "O Ruído da Rua penetra dentro de Casa". Ao observar este quadro quase conseguimos ouvir os cascos dos cavalos a galopar na calçada, as pedras a saltar das pás dos trabalhadores, os martelos a bater, as donas de casa, debruçadas nas varandas, a chamar alguém que passa na rua. O ruído percorre a tela, tornando-se "visível".

Os futuristas tinham um grande fascínio pela técnica e pela velocidade e acreditavam que o homem dispunha, a partir daí, dos meios necessários para transformar o mundo.

Boccioni morreu durante a 1ª Guerra Mundial, muitas das esperanças num futuro melhor foram destruídas para esta geração.

Desafio ...

Mantenho neste blogue uma secção que denominei "Desafios", por isso, uma vez por outra lanço um novo repto.

O desafio de hoje consiste em identificar o movimento artístico a que pertence a obra postada.

Aceita o desafio?

Então, a que Movimento Artístico  pertence este quadro?

Observando um Quadro ... de George Grosz - nº 24

O pintor e caricaturista alemão George Grosz (1893-1959) viveu o conturbado período da 1ª Guerra Mundial. Esta guerra além de modificar o mapa da Europa alterou também os valores. Tudo mudou com ela, tudo parecia andar à deriva.
Durante os quatro anos (1914-1918) que a guerra durou, a Europa sangrou até à última gota ...

Foi nesta Europa destruída, que passou de credora a devedora de outras partes do mundo e na ineficaz República de Weimar (Alemanha) que nasceu um novo movimento artístico - a Nova Objectividade (Neue Sachichkeit) de que G. Grosz fez parte. Este movimento opunha-se à arte emocional expressionista e à abstracção cubista e construtivista. Os artistas alemães da Nova Objectividade assumiram, neste período de  pós-guerra, uma abordagem política mais aberta  através de trabalhos mordazes e caricaturais que denunciavam a situação social vivida durante a República de Weimar.

George Grosz

"Os Pilares da Sociedade"

1926

Óleo sobre tela, 200x108cm,

Staatliche Museen zu Berlin,

Património Prussiano, Galeria Nacional

Escolhi este quadro de George Grosz porque me parece uma boa síntese da sua obra, enquanto viveu na Alemanha ( em 1933 emigrou para os Estados Unidos - o conjunto de obras produzido durante o período que viveu na América, não são tão interessantes).

Grosz satiriza a sociedade alemã e os pilares sobre os quais ela assenta: os que enganam, os corruptos, os fazedores de opinião, antes da ascensão de Hitler ao poder.

Agora vamos olhar para o quadro:

A tela está completamente cheia. No plano do fundo visionamos o caos completo, onde até os próprios prédios se desmoronam em chamas.

Nesta obra Grosz reune as personagens-tipo da República de Weimar: o militar -  de aspecto sanguinário; o religioso - um padre solícito, que corre em direcção oposta aos militares, com um sorriso hipócrita nos lábios, querendo distanciar-se das atrocidades cometidas durante e depois da guerra; o político - representado com a cabeça cheia de fezes, é uma mera marioneta; o jornalista - apresentado com um penico na cabeça e uma pena comprida e caprichosa numa das mãos; o chauvinista - que aparece em primeiro plano - toda a atenção recai sobre esta personagem -  com uma caneca de cerveja numa das mãos e um sabre na outra. Na sua cabeça oca surge o desenho de uma batalha em que podemos vislumbrar um cavaleiro do imperador empunhando uma lança. É esta personagem que chefia os "Pilares da Sociedade".

Grosz usava a fealdade como uma arma. Apresentava uma arte violenta para responder à violência que existia na sociedade do seu tempo.

Os trabalhos de Eva Afonso

Eva Afonso

"Cesto de laranjas"

2010

Óleo sobre tela, 40x50 cm

Os trabalhos de Eva Afonso

 Eva Afonso

"Gato em soleira de porta"

2010

Óleo sobre tela, 38x46 cm

Judite visita Salomé no Museu Nacional de Arte Antiga

O Museu Nacional de Arte Antiga, em Lisboa, iniciou um novo ciclo de exposições chamado "Obra Convidada".
Ora este ciclo abre com a obra "Judite com cabeça de Holofernes" do pintor Lucas Cranach, o Velho, vinda do Metropolitan Museum of Art de Nova Iorque.


 "Judite" é colocada lado a lado com "Salomé", obra pertencente ao acervo do MNAA.
As duas figuras bíblicas pintadas por Lucas Cranach, encontram-se e convivem numa sala do MNAA de 24 de Janeiro a 28 de Abril de 2013.

Estas pinturas mostram duas heroínas bíblicas com uma composição muito semelhante.
São duas mulheres muito belas, ricamente vestidas, saídas de um fundo muito escuro o que lhes realça a beleza.
Judite e Salomé apresentam rostos inexpressivos, embora tenham participado em episódios de grande violência. Ambas exibem as cabeças de homens que foram decapitados: Judite segura a pesada espada com que decapitou Holofernes, enquanto Salomé segura a bandeja com a cabeça de S. João Baptista.
Se a composição é semelhante, a iconografia é diametralmente oposta: Judite representa o bem, a virtude heróica para salvar o seu povo, enquanto Salomé está associada ao mal, à sedução, à perversidade.
Judite, uma bela e jovem viúva, com a sua coragem e audácia, conseguiu seduzir e assassinar Holofernes, general dos Assírios, povo que cercava a sua cidade. Salomé, sensual e perversa, deslumbrou Herodes com a sua dança e por isso este concede-lhe tudo o que pedisse. Pede a cabeça de S. João Baptista.

 Lucas Cranach, o Velho

"Judite com a cabeça de Holofernes"

ca. 1530

Óleo sobre madeira, 89,5x61,9 cm

Metropolitan Museum of Art, Nova Iorque

Lucas Cranach

"Salomé"

1º terço do século XVI

Óleo sobre madeira de carvalho, 61x49,5 cm

Museu Nacional de Arte Antiga, Lisboa

Se outras razões não houvesse, esta é uma boa oportunidade para visitar o  Museu Nacional de Arte Antiga e ver estes quadros lado a lado...

Ícaro de Matisse - a alegria da cor ou puro engano

Todos... todos são muita gente... mas mesmo assim acho que todos temos aspirações para as nossas vidas, como Dédalo, pai de Ícaro, e ao mesmo tempo uma dose de insensatez como este, que descurou os sensatos conselhos paternos.

Na mitologia grega , Dédalo era um engenhoso artífice. Originário de Atenas, por razões várias, foi encarcerado, com o seu filho  no Labirinto do Minotauro em Creta, de onde só era possível fugir pelo ar. Mas Dédalo sabia isso muito bem, pois foi ele que projectou o Labirinto, palácio de intrincados corredores. Então, sempre engenhoso, criou umas asas com penas e cera para si e para o seu filho, Ícaro, fugirem de lá.
Entretanto Dédalo avisou o filho que não voasse demasiado alto. Ícaro descurou o aviso do pai, advindo daí trágicas consequências. As asas não aguentaram o calor dos raios solares, a cera derreteu  e Ícaro caiu no mar.

"Dédalo e Ícaro têm sido representados inúmeras vezes na literatura e na arte, constituindo o seu voo um símbolo do espírito inventivo e das aspirações do homem, enquanto a queda de Ícaro encerra uma alegoria da insensatez ou da juventude". *

Henri Matisse

"Ícaro"

1943

Maqueta para "Jazz", publicado pela primeira vez em 1947

Guache sobre papel cortado, 40,5x27 cm

Musée National d´Art Moderne - Centre Georges Pompidou

Paris

Henri Matisse foi um dos muitos artistas que representaram o mito de Ícaro.

Uma grave doença deixou Matisse imobilizado durante algum tempo, o que não o desencorajou  de continuar a trabalhar e teve "o engenho e a arte" para desenvolver um nova técnica, na qual pedaços de papel pintado eram recortados e montados de modo a compor uma imagem. Os exemplos mais famosos da sua técnica estão representados no livro "Jazz", publicado por Matisse em 1947.

A obra "Ícaro" é uma mistura da pintura de um fundo azul brilhante, executado com pinceladas largas, formando o cenário onde figuras de amarelo brilhante e negro de breu recortadas são colocadas em queda livre.

A aparente alegria desta obra, transmitida através do uso de cores e imagens brilhantes que o artista diz, nas suas Memórias Pessoais, derivarem "...de cristalizações de memórias do circo, contos populares ou viagens", escondem preocupações, ansiedades, alienações provocadas pela II Guerra Mundial.

Matisse baseou-se no mito de Ícaro, descrito nas "Metamorfoses" de Ovídio, mas actualizou-o.

A figura negra que atravessa o céu em queda livre, na obra de Matisse não é um qualquer incauto que se aproxima demasiado do Sol, apesar dos conselhos paternais, pelo contrário, a figura negra com um círculo vermelho brilhante no lugar do coração "sugere que se trata de um piloto moderno que foi abatido e vai caindo ao longo do céu iluminado pelos disparos das armas. O Ícaro de Matisse é um herói moderno, um mártir cuja queda simboliza a destruição da vida e da esperança no meio do arsenal de guerra moderno". **

* Lodwick, Marcus - "Guia do apreciador de Pintura", Editorial Estampa, Lisboa, 2003
** O`Mahony, Mike-"O Estilo Internacional" - in História da Arte no Ocidente - Editorial Verbo, Lisboa, 2006

Os Trabalhos de Eva Afonso

 

Eva Afonso

"Veneza"

2011

Óleo sobre tela - 59,5x50 cm

Como Velázquez e Bacon pintaram Inocêncio X

O Papa Inocêncio X visto por dois pintores:

Diego Rodriguez de Silva y Velázquez

"Papa Inocêncio X"

1650

Óleo sobre tela, 140x120 cm

Galleria Doria Pamphilj , Roma

Velázquez dedicou a maior parte do seu trabalho à execução de retratos das gentes da corte.

Na sua condição de pintor da corte de Filipe IV de Espanha recebeu muitas encomendas e aquando da sua segunda visita a Itália pintou o retrato do Papa Inocêncio X (1650).

Ao executar este quadro escolheu uma composição e uma paleta de cores inspirada nos quadros de Rafael, Ticiano e outros pintores do Renascimento Italiano. 

É de realçar o excepcional realismo com que Velázquez pintou o rosto do Papa Inocêncio X.

Em 1953 Francis Bacon elaborou, a partir desta obra, um estudo do retrato do Papa Inocêncio X.

Francis Bacon

"Estudo segundo o retrato do Papa Inocêncio X de Velázquez"

1953

Óleo sobre tela, 153x118 cm

Des Moines Art Center

Com este estudo, Bacon pretende mostrar a condição humana no período pós-guerra.

O fim da II Guerra Mundial trouxe uma sensação de alívio face ao fim dos horrores da guerra, mas uma nova ordem mundial nasceu: de um lado a União Soviética, do outro os Estados Unidos da América. Estas duas novas superpotências, através da posse de armas de destruição maciça, ameaçaram, como nunca, a paz mundial. Foi neste ambiente que Francis Bacon elaborou este estudo, procurando transmitir a ansiedade, a aflição e a alienação características do pós-guerra.

Na obra de Bacon, o Papa Inocêncio X aparece aprisionado, soltando um grito para mostrar o desespero e a desilusão em que a humanidade se encontrava face à ameaça de bomba.

"Enquanto a obra de Velázquez transmite uma confiança serena derivada da autoridade papal, a de Bacon exprime sofrimento e tormento". *

O`Mahony, Mike-"O Estilo Internacional" - in História da Arte no Ocidente - Editorial Verbo, Lisboa, 2006

Dia de Reis - Adoração dos Reis Magos - Pieter Bruegel

Pieter Bruegel, o Velho (c. de 1525-1569), executou várias versões da  Adoração dos Reis Magos:

"A Adoração dos Magos"

Entre 1556 e 1562
Aguada sobre tela - 121,5x168cm
Musées Royaux des Beaux-Arts de Belgique, Bruxelas

Esta representação da Adoração dos Reis Magos  foi executada em tela, ao contrário das outras duas versões que foram pintadas sobre madeira, mas encontra-se em muito mau estado.
Nela a multidão domina a cena e aparece vestida à moda flamenga e oriental .

 

"A Adoração dos Magos"

1564
Óleo sobre madeira - 111x83,5 cm
The National Gallery, Londres

 

No centro do quadro está a Virgem Maria sentada  com o Menino ao colo e que se aconchega  medrosamente contra o regaço da mãe As feições de Maria são de grande graciosidade juvenil, tendo um véu que lhe cai sobre os olhos. José está de pé, atrás de Maria, numa atitude bem terrestre: inclina-se para um desconhecido, ouvindo-o segregar ao seu ouvido, deixando assim de prestar atenção à cena principal.

 

 

"A Adoração dos Magos numa paisagem de Inverno"

1567 

Aguada sobre madeira - 35x55 cm

Colecção Oskar Reinhart, Winterthur

 

Na última versão conhecida, Bruegel desloca a cena da Adoração para o canto inferior esquerdo.

No quadro o que domina não é este episódio religioso, mas sim o grande nevão que caiu sobre a aldeia, naquele Inverno rigoroso.

Este quadro é, sem dúvida, o primeiro a representar, na arte europeia, um nevão.

 

Dia Mundial da Paz

René Magritte

"A Grande Família"

1963

 

 

VOTOS DE BOM ANO!



Desafios ... Resposta - Pieter Bruegel

Pieter Bruegel, o Velho

"O Censo de Belém"

1566

Óleo sobre madeira - 116x164,5 cm

Musée Royaux des Beaux-Arts, Bruxelas

 

 

Pieter Bruegel, o Velho, "narra", nesta obra a chegada de José e Maria, ainda grávida, a Belém.

Vêm a esta cidade para cumprirem uma ordem plasmada num decreto do Imperador César Augusto, que determinava que todos os habitantes do Império fossem recenseados no seu local de origem.

 

Muitos pintores do século XVI trataram temas religiosos, mas fizeram-no retratando as personagens cheias de beleza e em cenários palacianos ou em construções faustosas, contudo, Bruegel integrou este episódio  bíblico numa aldeia da sua Flandres, onde as personagens são camponeses, trabalhadores rurais, artesãos que vivem em humildes habitações.

 

Num cenário invernoso, caminham pela neve, à frente José, atrás Maria, montada num burro em direcção à hospedaria.

 

 

Estas duas personagens passam relativamente despercebidas, não se distinguem, nem pelo tamanho, nem pelo colorido, do resto da população daquela aldeia.

José e Maria chegam ao fim da tarde daquele dia de Inverno, quando o Sol, representado por um disco alaranjado, já desce no horizonte. 

 

 

Bruegel dá à representação da aldeia muito mais importância do que ao episódio bíblico.

 

A vida fervilha na praça desta aldeia, apesar do frio. Adultos e crianças partilham o espaço público com as galinhas, os porcos e os cães...

Neste fim de tarde, muitos camponeses, após os seus afazeres regressam aos lares, enquanto outros desempenham diferentes tarefas, como a matança do porco. As crianças que "polvilham" a obra e a quem ninguém presta atenção, brincam no gelo com os seus patins, piões e trenós improvisados.

 

 

As casas desta aldeia, apesar de estar a anoitecer, mantêm-se na escuridão, não se vê qualquer foco de luz através das janelas. A única fonte de iluminação vem da fogueira acesa junto de uma parede, em volta da qual alguns aldeões se reunem.

Interessante, nesta obra, é o funcionamento de uma taberna no interior oco de uma árvore, assinalada por uma tabuleta.

 

 

No canto inferior esquerdo ergue-se uma hospedaria, identificada por uma coroa verde. É para aí que se dirigem José e Maria para se recensearem.

 

 

Mas Bruegel não pinta uma acção de recenseamento, mas a cobrança de impostos: de um lado do balcão estão os que pagam e do outro os que recebem as moedas.
Se retirarmos o título a esta obra o que vemos é uma aldeia flamenga ocupada com as suas tarefas quotidianas e em que a população se encontra oprimida e subjugada pelos impostos cobrados por Filipe II de Espanha após a invasão dos Países Baixos. Metade dos impostos do imenso Império Espanhol devia ser cobrada nesta região. A população protestava, mas em 1567 o Duque de Alba exigiu impostos suplementares pretendendo desta forma humilhar e subjugar o povo flamengo.



Desafio ...

Após a azáfama da preparação das rabanadas e dos coscorões e da celebração natalícia, espero que tenham algum tempo disponível para participar no desafio que vos vou propor.

 

Esta obra enquadra-se neste período em que as temperaturas baixam e a neve se expande sobre os campos e as cidades dando-lhes uma atmosfera de bilhete postal.

Qual o autor e o título deste quadro?

Votos de Boas Festas !

 

Federico Barocci

"Natividade"

1597

Óleo sobre tela - 134x105cm

Museu do Prado, Madrid

(Proveniente das colecções de Carlos IV)

 

 

Este quadro foi pintado em 1597 para  o duque de Urbino, Francesco Maria II della Rovere, que foi o principal mecenas deste pintor.

 

A estrutura da composição é executada na diagonal a partir do braço estendido de S. José, como a convidar os pastores a entrarem no estábulo para adorarem o Deus Menino, por sua vez a Virgem, semi-ajoelhada, contempla com enlevo o Menino.

Barocci ao  demonstrar uma grande sensibilidade no tratamento das luzes, um delicado uso das cores de raiz veneziana e uma grande verdade no tratamento dos corpos no espaço cria um ambiente que ficou conhecido como "naturalismo místico".

O contraste entre as luzes e as sombras, criado a partir da fonte luminosa que irradia do Menino, o ambiente familiar formado por este S. José hospitaleiro e a Virgem que olha embevecida para o Filho,  suscita no observador uma corrente afectiva.

 

 

O Papa Bento XVI, num novo livro, clarificou muitos dos mitos em torno do nascimento do Menino Jesus afirmando que o Evangelho não alude a bichos. Explica que em vários textos sagrados "o boi e o burro" representam judeus e gentios, o povo "desprovido de compreensão" que, "diante da aparição humilde de Deus, recebe a epifania que a todos ensina a ver" .

 

Federico Barocci não teve conhecimento destas explicações do Papa Bento XVI, por isso, nesta representação do nascimento do Deus Menino aparecem o boi e o burro cheios de realismo, envoltos

pela luz divina que se expande na escuridão do humilde estábulo.

 

 

No meu presépio o boi e o burro vão continuar a aquecer o Menino.

 

 





 

Feliz Natal a todos os visitantes deste blogue !

 

 

Os trabalhos de Eva Afonso

 

Eva Afonso

"Flores campestres num jarro"

2012

Óleo sobre tela - 60x50cm

A não perder ... A Exposição "As Idades do Mar" na Fundação Calouste Gulbenkian

A Fundação Calouste Gulbenkian tem a decorrer, na Sala de Exposições Temporárias do edifício sede em Lisboa, até 27 de Janeiro de 2013, uma Exposição intitulada: "As Idades do mar".

"O mar é o tema central da exposição que o Museu Calouste Gulbenkian vai apresentar a partir do dia 26 de outubro, na Galeria de Exposições Temporárias da Fundação. Em exposição vão estar mais de uma centena de obras, dos séculos XVI ao XX, provenientes de 51 instituições nacionais e estrangeiras, com o apoio excecional do Museu d’Orsay.

Partindo de uma sondagem histórica da representação visual do mar, a mostra procura identificar os temas fundadores que levaram à sua extensa e recorrente representação na pintura ocidental. A exposição desenvolverá o conceito que dá título ao projeto em seis secções distintas: A Idade dos Mitos; A Idade do Poder; A Idade do Trabalho; A Idade das Tormentas; A Idade Efémera; A Idade Infinita.

Van Goyen, Lorrain, Turner, Constable, Friedrich, Courbet, Boudin, Manet, Monet, Signac, Fattori, Sorolla, Klee, De Chirico, Hopper, são alguns dos 89 autores presentes na exposição com obras de superior qualidade. Também a pintura portuguesa, através de Henrique Pousão, Amadeo de Souza-Cardoso, João Vaz, Maria Helena Vieira da Silva e Menez, entre outros, contribuirá para esta abordagem exaustiva e por vezes inesperada de um motivo tão fascinante – e simultaneamente com especial significado na história e cultura portuguesas."

Texto  retirado do site da Fundação Calouste Gulbenkian - www.gulbenkian.pt/

 

Horário:  10.00h -20.00h (encerra à 2ª feira e nos feriados 25 de Dezembro e 1 de Janeiro)
Entrada : € 5.00

Esta é uma Exposição a não perder ...

A não perder... Exposição retrospectiva de Salvador Dali

Salvador Dali, o mestre do surrealismo, regressa ao Centro Cultural Georges Pompidou, em Paris.
Mais de 30 anos separam esta, da primeira grande retrospectiva realizada ainda em vida do pintor e que continua a estar no top das exposições mais visitadas neste museu.

Esta exposição reune 200 obras oriundas de colecções particulares e de museus do mundo inteiro: são óleos, desenhos, fotografias, esculturas, filmes e instalações que pretendem mostrar as diversas facetas de Salvador Dali.
Segundo o comissário-geral, Jean Hubert-Martin, o objectivo desta nova retrospectiva é mostrar a riqueza da obra do artista, partindo sobretudo das suas pinturas extraordinárias e da sua ligação à fotografia e à perfomance como pioneiro do happening, sempre arrojado e inovador.
Logo à entrada da exposição pretende-se criar no visitante o "apetite" pela obra de Dali; assim o visitante entra no universo de Salvador Dali através de um ovo gigante com a fotografia do artista catalão em posição fetal.

Esta exposição decorrerá de 21 de Novembro de 2012 até 25 de Março de 2013, no Centro Cultural Georges Pompidou - Paris;
E seguirá para o Museu Reina Sofia - Madrid, onde estará patente de 24 de Abril a 2 de Setembro de 2013.

Para mais informações:
www.centrepompidou.fr/
www.museoreinasofia.es/

 

Esta é uma exposição a não perder ...

Os trabalhos de Eva Afonso

 

Eva Afonso 

"The Gift"

2012

Óleo sobre tela - 40x60 cm

 

 

 

Pormenor

A Criança e a Arte

O mundo infantil é cheio de espontaneidade, imaginação, alegria e sonho ...
Que melhor do que a Arte para dar asas a esse mundo de "futuro"?
Nas mãos de uma criança uma folha branca, cheia de garatujas, é um universo de magia, uma explosão de alegria. Da garatuja desordenada ao desenho esquemático a criança desperta para o mundo.

É interessante notar como desenhos infantis podem ganhar preponderância num quadro, de modo a fazer do seu pequeno criador um verdadeiro artista.

 

Giovanni Francesco Caroto

"Rapaz com um desenho"

c. 1523

Óleo sobre madeira - 37x29 cm

Museu di Castelvecchio, Verona

 

 

 

Henrique Pousão

"Esperando o Sucesso"

1882

Óleo sobre tela - 131,5x83,5 cm

Museu Nacional Soares dos Reis, Porto

 

 

 

Estes dois quadros são exemplos em que o pintor, além de pintar o seu pequeno modelo, faz dele um verdadeiro artista, mostrando-o orgulhoso da sua obra.

 

São dois quadros  separados por alguns séculos, mas em que os pintores souberam captar a espontaneidade, a alegria e imaginação da arte infantil.

 

No quadro de Giovanni Francesco Caroto (c. 1480-1546) surge uma criança, de quem nada sabemos, é apenas uma criança ...

Este jovem rapazinho olha para o observador e mostra o seu desenho, com um sorriso alegre e malicioso, competindo com o próprio pintor. A representação parece um auto-retrato e a sua expressão de alegria demonstra como está satisfeito com a sua obra.

 

 

 

Também no quadro de Henrique Pousão (1859-1884) o pequeno modelo se torna artista.

O quadro mostra o interior de um atelier: as telas estão arrumadas ao fundo, à esquerda, sobre o pavimento repousam o caixote dos pincéis, a caixa das tintas e a paleta. No centro do quadro vemos o cavalete com um esboço desenhado do jovem modelo; a dada altura (talvez numa pausa da sessão) a criança salta para primeiro plano e mostra com ar travesso a sua garatuja, como quem diz: "também sou um artista !..."

Henrique Pousão valorizou o desenho do jovem modelo, iluminando o pedaço de papel onde aparece a sua "obra de arte".

 





 



 

A função da Arte na educação foi sendo relegada para um plano secundário, atendendo a que os decisores lhe atribuiram  sempre  um papel menorizado em relação às ciências ligadas ao conceito cognitivo. No entanto, sabe-se que as Artes não são matérias em que a criança descansa nas pausas do saber cognitivo, elas têm um papel primordial na formação integral do indivíduo.

  



Observando um Quadro ... de Jacques-Louis David - nº 24

 

 

 

Não se consegue compreender o quadro "O Juramento dos Horácios" de Jacques-Louis David sem os ventos de mudança da Revolução Francesa, por isso, nos posts anteriores tentei contextualizar esta obra.

 

Jacques-Louis David, através deste quadro, exortou os franceses a jurar fidelidade aos valores éticos: recusa do luxo, disciplina, sacrifício, empenho pessoal, responsabilidade civil, patriotismo ...  para derrubarem o "ancien régime" e , por isso,  tornou-se rapidamente o principal representante do "Classicismo revolucionário".

 

Jacques- Louis David

"O Juramento dos Horácios"

1784/85

Óleo sobre tela - 330x425 cm

Museu do Louvre Paris

 

 

Ao observarmos este quadro o nosso olhar é encaminhado para as mãos do pai, que seguram as espadas dos trigémeos Horácios. É para aí que confluem todas as linhas de fuga. Jacques-Louis David quis com esta composição colocar no centro da obra o símbolo do juramento de fidelidade a Roma.

 

A cena decorre num pátio pavimentado, tendo ao fundo três arcos sustentados por colunas austeras e robustas ao estilo toscano. A cada arcada fez corresponder um grupo compositivo: no arco da esquerda - os trigémeos Horácios; no central - o pai segurando as espadas; no da direita - as mulheres e as crianças.

Obra cheia de dramatismo e teatralidade, conseguidos através da atitude  das personagens e do uso do claro escuro. A luz entra pela esquerda, projectando  as sombras dos guerreiros e do pai sobre as mulheres. As personagens sobressaem sobre a escuridão do fundo dos arcos dando um matiz intenso e dramático ao quadro.

Os guerreiros:

O grupo da esquerda é formado pelos trigémeos.
Guerreiros, viris, dispostos em paralelo segundo a técnica do relevo romano.
Estas personagens assemelham-se as estátuas, usam trajes de combate  e estendem o braço direito, com a palma da mão voltada para baixo, em direcção às espadas, num juramento de fidelidade.

O pai:

Situado no centro da acção, para ele convergem todas as atenções. Segura as espadas, levantando-as ao alto e perante as quais é feito o juramento dos irmãos Horácios que põem a sua vida à disposição de Roma.
O pai veste uma túnica vermelha que realça a intensidade do juramento, pois subentende-se que muito em breve, no combate, será derramado sangue.


As mulheres:

Este pormenor pode ser considerado um quadro dentro do quadro, nele aparecem três mulheres sentadas,  desoladas, abatidas, contrastando claramente com a atitude enérgica dos homens.
Colocadas atrás da cena masculina, num ambiente mais recolhido e privado, demonstrando que ao homem está reservado o espaço público e às mulheres o privado.

As cores utilizadas nesta parte do quadro não são tão brilhantes, nela predominam  o branco do vestido de Camila Horácio, irmã dos trigémeos Horácios, o ocre, o cinzento e o castanho de Sabina Curiácio, esposa de um dos Horácios e o azul cinza das vestes de uma aia, que protege os filhos de Sabina. Neste conjunto a única cor mais viva é o verde do turbante de Camila.

 

 

 

 

 

 

 

As personagens:

 



As personagens apresentam-se com grande teatralidade, de um lado os homens de contornos rígidos e rectilíneos, numa atitude enérgica e militar, demonstrando virilidade. Os trigémeos e o pai apresentam-se da mesma altura, formando o seu conjunto um rectângulo, enquanto que as pernas dos irmãos e do pai formam triângulos.

 

 

 

 

 

 Do outro lado estão as mulheres em posições nada rígidas. Sentadas, desesperadas, abatidas face aos futuros acontecimentos históricos. Neste apontamento do quadro predominam as linhas curvas.



Uma das características da pintura neoclássica  é a diferenciação do espaço masculino do feminino. Aos homens está reservado o espaço público, a guerra e o trabalho, às mulheres o espaço privado, a intimidade, as tarefas domésticas e chorar os mortos.

 

 

 

 

 

É de referir a constância do número três nesta obra.

 

 

Ao fundo, no cenário, vemos três arcos, que dividem o quadro em três zonas: a dos irmãos , à esquerda, a do pai, ao centro e a das mulheres e das crianças, à direita. Além dos arcos, são também três  espadas, três irmãos, três mulheres...

 

Está patente, neste quadro,  uma tragédia em três actos assinalados pelas personagens  que sobressaem dos três arcos da arquitectura de fundo.

 

Primeiro acto - declaração de guerra dos irmãos Horácios;

Segundo acto - juramento de fidelidade a Roma perante o pai que eleva as espadas;

Terceiro acto - desespero das mulheres.

 

    

Esta obra foi encomendada pelo rei Luis XVI .

Jacques-Louis David executou-a em 1784/85 e foi exposta pela primeira vez em 1785. Pintada poucos anos antes da Revolução Francesa rapidamente é assimilada pelos revolucionários como um apelo muito claro à virtude cívica.