Clotilde - a mulher e musa do pintor Sorolla

Como escrevi no post anterior, está patente até dia 14 de Outubro, na Casa Museu Sorolla, uma exposição sob o título: "Clotilde de Sorolla".
Esta exposição mostra como a esposa de um pintor se pode tornar na sua musa.
São várias as obras retratando Clotilde García del Castillo, com quem Joaquín Sorolla  casou em Setembro de 1888. Clotilde era uma das filhas do seu protector Antonio García Peris, afamado fotógrafo valenciano.

A exposição decorre nas salas do 1º andar e está estruturada em 4 núcleos: a intimidade; a musa; a mulher do grande artista; e a fundação do museu. Nela são mostrados retratos individuais, cenas familiares, objectos pessoais, cartas e documentos; com esta selecção o Museu Sorolla pretende dar a conhecer a vida quotidiana de Joaquín Sorolla através da sua mulher e musa, Clotilde García del Castillo.

 

 

"Clotilde com vestido cinzento" - 1900

 

 

"Clotilde a estudar" - 1900

 

"Clotilde lendo o jornal"

 

 

 "Clotilde García del Castillo" - 1890

 

"A minha mulher e os meus filhos"
 



 

"Perfil de Clotilde" - 1884 e "Retrato de Clotilde"   

 

"Clotilde com cão e gato" 

 

 

 

 

"Clotilde com chapéu" - 1910

 

 

 

 

"Clotilde no jardim" - 1919/20 

 

"Clotilde com mantilha preta" - 1919 / 20

Joaquín e Clotilde viveram uma bela história de amor

 

  

 

Museu Sorolla

O pintor Joaquín Sorolla Bastida ocupa um dos  primeiros lugares da lista dos meus pintores preferidos, por isso, quis sentir o ambiente em que viveu e trabalhou.
Estive em Madrid, há poucos dias, para visitar a Exposição retrospectiva de Edward Hopper, mas não pude deixar de ir ao Museu Sorolla, uma bela mansão, rodeada de um jardim luxuriante, onde se ouve a água a correr que refresca e acalma o calor madrileno desta época do ano.
Felizmente a viúva de Sorolla, Clotilde Garcia del Castillo, doou ao Estado Espanhol, em 1925, a sua casa e as suas colecções de obras de arte, a partir das quais foi criada a Casa Museu Sorolla, o que possibilitou aos admiradores deste pintor entrar na casa em que viveu.

Ao sair do Metro caminhei algum tempo ao longo do Passeio General Martinez Campos até que no meio de vários prédios altos encontrei no nº 37, uma casa à antiga rodeada de vegetação. Ao passar o portão deparei-me com um belíssimo  jardim.

Neste post, quero partilhar algumas fotografias deste espaço onde, certamente, Sorolla trabalhou e descansou.

Antes de mandar plantar este jardim, Joaquín Sorolla delineou e desenhou as diferentes partes que o constituem, tendo estes esboços  já feito parte de uma exposição temporária deste museu.

Este jardim está dividido em três partes: uma em frente da fachada; outra, um espaço rectângular, intermédia entre as duas; e finalmente a parte do fundo.

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1º Espaço:

Entrada da mansão

 

 

Este primeiro espaço está concebido mais como um pátio andaluz do que como um jardim.

 

As relações com o mundo sevilhano podem ser vistas com a presença deste banco de manufactura moderna de Triana.

2º Espaço:

Este foi o espaço mais trabalhado por Sorolla, existem muitos esboços e desenhos.


Se o primeiro espaço é de inspiração sevilhana, este é nitidamente de inspiração granadiana.
Como o espaço era reduzido Sorolla diminuiu o comprimento do canal que comunica com o tanque de mármore. Nesta parte do jardim a influência granadiana junta-se à italiana, onde sobressaem  colunas que envolvem um banco revestido de azulejos. Atrás do banco encontra-se um Togado romano procedente de Cástulo.

Togado Romano

 

À esquerda  encontramos uma ingerência do renascimento italiano, com uma colunata adornada com três reproduções de bronzes pompeianos.


3º Espaço:

Composto à base de rectângulos vegetais com um tanque ao centro.

 

Fonte da Confidências

Atrás do tanque está a Fonte das Confidências ( do escultor valenciano Francisco Marco Diáz Pintado ).
Em frente deste espaço, Sorolla colocou uma pérgola, composta por várias colunas , onde se encontra, hoje, um busto do pintor, oferecido pela The Hispanic Society of America de Nueva York.

Busto de Sorolla

Esta Casa Museu é muito acolhedora. Os madrilenos têm por ela um grande carinho.

Neste momento, além da exposição permanente, está patente uma exposição temporária até 14 de Outubro, intitulada: "Clotilde de Sorolla".

 

Referências : Guia do Museu Sorolla 

A paleta de Renoir

 

Pierre-Auguste Renoir

 

 

Auto-Retrato

1897

Óleo sobre tela - 41x33 cm

Instituto de Arte Sterling , Francine Clark

EUA

 

Escolhi o trecho abaixo transcrito para partilhar, pois pareceu-me, de alguma maneira , retratar o modo de trabalhar deste pintor genial.

 

 

" A paleta de Renoir era limpa "como uma moeda nova". Era uma paleta quadrada que se encaixava na tampa do estojo, que tinha a mesma forma. Num dos godés duplos, punha óleo de linhaça puro e no outro uma mistura de óleo de linhaça com essência de terebentina, em partes iguais. Numa mesa baixa, colocada ao lado do cavalete, tinha um copo cheio de essência de terebentina em que enxaguava o pincel, praticamente após cada aplicação de cor.
 

 Na caixa, e em cima da mesa, tinha alguns pincéis de reserva. Nunca tinha em uso mais do que dois ou três ao mesmo tempo. Mal começavam a ficar gastos, esborratavam, ou por qualquer outra razão deixavam de lhe proporcionar uma absoluta precisão de pincelada, deitava-os fora. Exigia que destruíssem os pincéis velhos, não fosse ele pegar em algum deles por engano enquanto trabalhava.
 Na mesinha havia também panos limpos, com os quais secava de vez em quando o pincel.

A caixa, tal como a mesa, estavam sempre perfeitamente arrumadas.

Os tubos de tintas eram enrolados a partir da dobra, de forma a obter, ao espremê-los, a quantidade exacta de tinta pretendida.
 

No princípio da sessão de trabalho, a paleta, que tinha sido limpa no fim da sessão anterior, estava imaculada. Para a limpar, começava por raspá-la, vertendo os resíduos para um papel, que atirava logo para o lume. Em seguida, esfregava-a com um pano embebido em essência de terebentina até que não houvesse o mínimo resquício de tinta na madeira. O pano ia também para o lume.
 

Os pincéis eram lavados com água fria e sabão. Recomendava que esfregassem suavemente os pêlos na palma da mão. De vez em quando encarregava-me desta operação, o que me enchia de orgulho.
 

Renoir descreveu pessoalmente a composição da sua paleta numa nota que a seguir transcrevo e que data, evidentemente, do período impressionista:

 

Branco de prata, amarelo de crómio, amarelo-de-nápoles, ocre amarelo, terra-de-siena natural, vermelhão, laca de garança, verde-veronês, verde-esmeralda, azul-cobalto, azul-ultramarino, espátula, raspadeira, essência, tudo o que é necessário para pintar. O ocre amarelo, o amarelo-nápoles e a terra-de-siena são meros tons intermédios que são dispensáveis, pois podem fazer-se com outras cores. Pincéis redondos de pêlo de marta, pincéis chatos de seda.

 

 

Registe-se a ausência do preto, "a rainha das cores", como ele próprio iria proclamá-lo no seu regresso de Itália.
 

À medida que se aproxima do fim da vida irá  simplificar ainda mais a sua paleta. A ordem de que me lembro na época em que pintava "As Grandes Banhistas" do Louvre, no ateliê de Les Collettes, era a seguinte: começando de baixo, junto da abertura para o polegar, o branco de prata, em quantidade generosa, o amarelo-de-nápoles num montículo minúsculo, tal como todas as cores que se seguem - o ocre amarelo, a terra-de-siena, o ocre vermelho, a laca de garança, a terra verde, o verde-veronês, o azul-cobalto, o negro-marfim.

Esta selecção de cores não era inalterável. Eu vi Renoir, embora em raras ocasiões aplicar vermelhão chinês que punha na paleta entre a laca de garança e a terra verde. Nem Gabrielle nem eu o vimos usar o ocre de crómio.

Esta exiguidade de meios era impressionante.  Os montículos de tinta pareciam perdidos na superfície de madeira, rodeados de vazio. Renoir encetava-os com parcimónia, com respeito. Era como se achasse que iria ofender Mullard, que lhe tinha preparado meticulosamente aquelas cores, se atafulhasse a paleta com elas e depois não as usasse até à mais pequena parcela.
 

Quase sempre misturava as tintas na tela. Preocupava-se muito em que o quadro mantivesse, ao longo de todas as fases do trabalho, uma impressão de transparência."

 
Renoir, Jean - "Pierre-Auguste Renoir, meu Pai" , págs 336 a 338, 2005, Ed. Bizâncio, Lisboa.

 

 

Capa do livro 

 

 

 

Há pouco mais de uma semana terminei a leitura deste livro sobre Pierre- Auguste Renoir.

Foi um prazer a sua leitura e ao mesmo tempo um "mergulho" no mundo de Renoir: quotidiano, família, amigos, pensamentos, obra, época em que viveu ...

É uma  biografia, escrita, de forma muito terna por um dos seus filhos, Jean Renoir.

 

Aconselho-a aos admiradores de Renoir, e não só ...

 

A não perder ... Exposição retrospectiva de Edward Hopper

Aproveito o título de um artigo da revista "Descubrir el Arte", nº159 de Maio de 2012, sobre a Exposição de obras de Edward Hopper, no Museu Thyssen Bornemisza, Madrid:

"Hopper - o Amigo Americano aterra em Madrid"

 

Esta exposição está a entrar na recta final, pois vai estar patente até ao dia 16 de Setembro.

A mostra reune 73 obras divididas em dois núcleos que pretendem mostrar a evolução do trabalho de Edward Hopper.

O primeiro núcleo mostra o período da sua formação ( 1902-1924), com esboços, desenhos, gravuras, aguarelas e ilustrações, mostram-se também algumas peças de outros artistas que influenciaram a sua obra;  o segundo centra-se na sua fase mais madura, apresentando obras que mostram os motivos e os assuntos recorrentes do seu trabalho, seguindo um fio cronológico.

 

 

Edward Hopper

"Quarto de Hotel"

1931

Óleo sobre tela - 152,4x165,7 cm

Fundação Thyssen-Bornemisza

 

 

 

Após Madrid, esta exposição segue para Paris, onde vai estar patente no Grand Palais de 10 de Outubro a 28 de Janeiro de 2013.

 

Esta é uma Exposição a não perder ...

 

 



Tempos de transição - Aurélia de Sousa

 Aurélia de Sousa  (1866 - 1922)


Interesso-me há alguns anos pela obra de Aurélia de Sousa ( 1866-1922).

Aurélia de Sousa nasceu em Valparaíso, no Chile, em 1866. Filha de pai português e mãe de ascendência espanhola, veio com 3 anos para Portugal. A família radicou-se no Porto, onde adquiriu a Quinta da China, situada na margem  norte do rio Douro. Foi nesta cidade que cresceu, iniciou a sua formação artística e desenvolveu a sua carreira de pintora.
Recebeu uma educação de acordo com os cânones da época: aprendeu línguas, piano, desenho e pintura, assim como as tradicionais actividades domésticas como a culinária e o bordado. Mas eram o desenho e a pintura que mais a cativavam.
Caetano Moreira da Costa Lima, seu professor particular de Desenho e Pintura, a certa altura afirmou: " Nada a ensinar-lhe! É melhor mandá-la para a Escola de Belas-Artes".
Em 1893, aos 27 anos, ingressou na Academia portuense de Belas Artes.
A sua formação artística decorreu entre a Academia portuense de Belas- Artes e a Académie Julian, de Paris, mas alargou-a com inúmeras viagens que realizou pela Europa.
Amante das viagens e do turismo cultural, visitou muitos museus e pinotecas, assim como muitos locais artísticos, mas foi a Itália, principalmente Veneza, que lhe provocou o "reboliço do seu cérebro" devido ao "pouco tempo para visitar tanta arte". (Oliveira, Maria João, Aurélia de Sousa em contexto, Lisboa, Imprensa Nacional-Casa da Moeda, 2006)

Em 1901 regressou a Portugal, montou um atelier na Quinta da China, onde exerceu a sua actividade artística.

A sua obra abrange vários temas:
- o retrato ( onde se destacam os auto-retratos, numa procura de si própria);
- as cenas do quotidiano e de interiores;
- a paisagem ( a partir da Quinta da China o seu olhar espraiava-se pelo rio Douro e pelo lugar do Areinho que pintou com frequência);
- a natureza-morta;
- e a pintura histórica ligada à religião e à mitologia.

Algumas obras de Aurélia de Sousa:

Retrato

 

 



Auto-retrato

c.1897

Óleo sobre tela - 67,5x47 cm

Colecção José Calado de Souza

Porto



 

Auto-retrato

c.1900

Óleo sobre tela - 45x 36 cm

Museu Nacional Soares dos Reis

Porto

 

 

Paisagem

 

 

 

 

Margens do Douro

1905

Óeo sobre tela - 66,5x80,5 cm

Fundação Casa de Bragança / Paço Ducal de Vila Viçosa

 

 

 

Balaustrada da Quinta da China

Óleo sobre cartão - 37,4x57,8 cm

Casa Museu Marta Ortigão Sampaio

Câmara Municipal do Porto

 

 

Natureza - Morta

 

 

Sem Título ( Serviço de Chá)

Óleo sobre tela

Colecção particular

 

 

Pintura histórica ligada à religião e à mitologia

 

Deste tema, admiro particularmente a obra "Jesabel devorada pelos cães por ordem de Jehu"

1911

Óleo sobre tela - 25,5x33,7 cm

Museu Soares dos Reis

 Porto

 

Tenho pena de não poder mostrá-la neste post, mas não consegui nenhuma fotografia com qualidade para ser mostrada.

Neste quadro Aurélia de Sousa usa uma pincelada enérgica e uma mancha cromática que a faz ser uma artista de transição do século XIX para o XX.

 

 

 

Cenas do quotidiano  e de interiores

 

 

 

Cena Familiar

Óleo sobre tela - 56x46 cm

Museu Nacional Soares dos Reis

Porto

 

 

A sopa dos pobres

Óleo sobre tela - 37,6x45 cm

Câmara Municipal de Matosinhos

 

 

Este último quadro revela uma grande modernidade no tratamento da cor e no volume das figuras sem rosto. É uma obra realizada à maneira de esboço, com uma pincelada solta e impressiva.

 

Este quadro, além da modernidade no tratamento pictórico, tem um tema muito actual, pois o aumento da pobreza, nos nossos dias, fez recrudescer o número de pessoas que utilizam "A Sopa dos Pobres".

Os tempos em que viveu Aurélia de Sousa não estão tão longe, como parece, dos nossos.

Em 1917 foi criada, em Lisboa, a "Sopa dos Pobres" por iniciativa do jornal " O Século"  e de diversas Juntas da Paróquia de Lisboa; no ano de 2012, por iniciativa do Ministério da Solidariedade e da Segurança Social foram assinados centenas de contratos com várias instituições sociais para criarem as "Cantinas Sociais".

Ter locais onde os mais necessitados tenham acesso a refeições quentes é importante, mas melhor, muito melhor seria que não houvesse necessidade de os abrir.

 

Não me importava nada que os pintores não tivessem este tema para tratar, como o fez Aurélia de Sousa.

 

 





Verão - Tempo de Felicidade - e a arte de Matisse

Saint-Tropez é hoje local de férias de reis e rainhas, de banqueiros e armadores, de estrelas da música pop ou da 7ª arte, mas nem sempre foi assim ...
Quando, no Verão de 1904, Henri Matisse a visitou era uma aldeia desconhecida ... um lugar paradisíaco, onde se vivia em verdadeira comunhão com a natureza.
As sucessivas viagens de Matisse ao Sul da França fizeram-no descobrir a luz mediterrânica, que irá dominar toda a sua obra.

O primeiro contacto que este pintor teve com esta luz foi no início de 1898, numa estada na Córsega e que depois se repetiu em visitas a Saint-Tropez e a Collioure, um pequeno porto da Catalunha francesa.
Estes encontros com a luz do Mediterrâneo influenciaram-no na cor e na pincelada.
Matisse, tal como aconteceu com van Gogh e muitos outros pintores do Norte, deslumbrou-se com a alegria do Sol do Midi, mas soube controlar esse deslumbramento, filtrando-o através da pintura de cortinas e persianas semi-cerradas que dão ao interior das casas frescura, ao contrário de muitas estradas escaldantes eternizadas nos quadros de van Gogh.

Muitos quadros de Henri Matisse, expostos no Salão de Outono de 1905, são deste período de descoberta da luz mediterrânica, mas desencadearam uma crítica feroz na imprensa e na opinião pública. O crítico de arte Vauxcelles apelidou os artistas que expuseram neste Salão de "fauves" - "feras". Este epíteto foi usado devido às cores expressivas e ao traço selvagem e desenfreado utilizado por estes pintores.
Os fauvistas deram plenos poderes à cor, emanciparam a cor face à realidade. Matisse definia o fauvismo como a "procura da intensidade da cor, sendo a matéria indiferente", mas acrescentava que o fauvismo não se resumia ao emprego das cores puras, o importante era colocar-se longe das cores de imitação e através do uso das cores puras conseguir reacções mais fortes.
Henri Matisse utilizou o fauvismo como uma etapa do seu trabalho, sabendo tirar partido das experiências vividas, indo mais longe e conseguindo, entre 1906 e 1917, aprofundar as suas investigações sobre a cor e executar obras extremamente originais.

Uma das suas obras mais célebres deste período intitula-se: "Felicidade da Vida"

Henri Matisse

"Felicidade da Vida" ou "A Alegria de Viver"

1905-1906

Óleo sobre tela - 241x175 cm

Merion,

Pensilvânia, Barnes Foundation

Escolhi este quadro de Matisse, para ilustrar este tempo de veraneio, do "dolce fare niente", do descanso e de felicidade, que os homens do centro e norte da Europa tanto apreciam para fazer férias. Como "invejam" e gostariam de ter esta luz mediterrânica! Mas não nos queiram mal por esta abençoada luz...

Na obra "Felicidade da Vida", Matisse recupera a utilização da paisagem pastoral, utilizando cores brilhantes (típicas dos fauvistas) e linhas serpenteadas (da Arte Nova).

Pinta dezasseis figuras numa paisagem idílica.

Estas personagens estão felizes.

Neste quadro sente-se a " nostalgia de um paraíso perdido onde não existem nem trabalho nem obrigações, nem vestuário nem tristeza. As personagens nuas sonham, dançam, tocam gaita, colhem flores, enlaçam-se ou, simplesmente, gozam a sua beleza e a beleza do mundo. A cor, sempre resplandecente, está desta vez repartida por vastos planos, apenas animados, aqui e ali, por certos acentos, como os traços que figuram a relva no primeiro plano.

Os ritmos são fortemente marcados por longas sinuosidades que indicam os troncos das árvores e as grandes massas das folhagens que se unem em abóbada por cima da cena, como pelo contorno dos corpos rodeados de linhas insistentes. Pela primeira vez, estas linhas do contorno das figuras afastam-se deliberadamente da verdade anatómica para se sujeitarem à organização geral do quadro, reagindo umas em relação  às outras. Não se pode omitir certo maneirismo para algumas figuras e peso para outras. Por fim, nota-se que vários rostos são sugeridos por uma simples oval, sem indicação de olhos, de nariz ou de boca, abreviação extrema a que Matisse recorrerá de novo no fim da sua carreira." *

O quadro " Felicidade da Vida" provocou sensação quando foi exposto pela primeira vez em público em 1906, e hoje como seria?  Que "pecado" haverá em os povos do Mediterrâneo aspirarem a ser felizes?

* Guichard-Meli, Jean - "Matisse", Editorial Verbo, Mem-Martins, 1983

O Verão - Giuseppe Arcimboldo

Após  alguns dias da ausência volto ao contacto com todos aqueles que me derem o prazer da sua visita a este blogue.

Obrigada !

São nestes dias longos, longos de luminosidade, pois o solstício de Verão os torna assim tão duradouros, que parece que o tempo não tem tempo.

Eram esses longos dias de Verão, que pareciam não ter fim, que eu adorava assim que terminavam as aulas.

Maravilhosas férias grandes!

 Era o tempo do sol escaldante, da fruta madura e doce, dos figos colhidos bem cedo, das uvas de tão doces, picavam na garganta, das maçãs que perfumavam as casas, das amoras silvestres que, encostadas aos muros de pedra solta, presenteavam quem  passava…

O Verão é assim, tempo de prazer .

Não será por isso que o escolhemos para férias?

Giuseppe Arcimboldo

"O Verão"

1573

Óleo sobre tela - 76x64 cm

Museu do Louvre, Paris

E o Verão chegou!

Mas Giuseppe Arcimboldo, autor deste quadro, não se extasiou apenas com o Verão, pois pintou um conjunto  de quatro quadros sobre as quatro estações do ano.



O tema foi várias vezes repetido por este pintor para a corte imperial de Viena e Praga.

Giuseppe Arcimboldo (1527-1593) nasceu e faleceu na cidade de Milão. Iniciou a sua formação artística junto do seu pai, tornando-se depois conhecido pelos trabalhos que realizou na catedral de Milão.

Em 1562 foi para Praga a convite de Fernando I, para retratar a família imperial.

É precisamente ao serviço de Fernando I que Arcimboldo iniciou a sua série das quatro estações (1563), apresentando um estilo original e completamente surpreendente. São imagens curiosas, por vezes bizarras, alegorias descritas pelo historiador de arte italiano Giovanni Paolo Lomazzo (L'Idea del Tempio della Pittura, Milão, 1590) como" teste composte" (cabeças compostas) pela justaposição de frutos, flores, legumes, vegetais, peixes e até mesmo livros ou um canhão.

Nestas "cabeças compostas", os elementos são pintados individualmente, é uma pintura exacta de frutos, flores e objectos, podendo considerar-se uma pintura com características de natureza-morta.

Giuseppe Arcimboldo pintou a sua primeira série das quatro estações em 1563 e ofereceu-a a Maximiliano II em 1569. Deste conjunto original restam apenas o Inverno e o Verão, expostos em Viena.

Das várias versões a que ficou mais conhecida é aquela que se encontra no Museu do Louvre e a que pertence o quadro acima apresentado. Foi executada a pedido do Imperador  Maximiliano II para oferecer ao Eleitor Augusto da Saxónia. Esta versão distingue-se da primeira porque Arcimboldo lhe acrescentou uma moldura floral.

Arcimboldo eternizou a passagem do tempo nas quatros estações do ano:

O Inverno grotesco, cheio de ramos despidos, adornado por ácidos limões; a Primavera florida e alegre numa face jovem; o Verão de rosto robusto, onde sobressaem a abundância das espigas de trigo; e finalmente o Outono que irrompe   de umas tábuas, fazendo lembrar as pipas, ou não fosse o Outono o tempo das vindimas... 

Inverno

Primavera

Outono

Mas foi o Verão, de doces frutos maduros, que me trouxe até  Giuseppe Arcimboldo!

Tempo de férias

Este blogue vai de férias durante algum tempo.
Voltará revigorado após alguns dias à beira-mar.

Joaquin Sorolla y Bastida

"Tempo de banhos" Valência

1909

Os trabalhos de Eva Afonso

Eva Afonso

" Homenageando Vincent van Gogh"

2012

Óleo sobre tela - 60x50 cm

Observando um Quadro ... de Édouard Manet - nº 23

Édouard Manet

"A Varanda"

1868-1869

Óleo sobre tela - 170x124,5cm

Museu d´Orsay - Paris

Neste quadro, Édouard Manet pintou a sua futura cunhada, a pintora Berthe Morisot, a violoncelista Fanny Claus e o pintor Antonin Guillemet.

Estão à janela de uma sala, cujo interior se "adivinha" num fundo escuro e onde se entrevê, à esquerda, um criado ( para o qual terá posado o seu filho, Léon).

Manet inspirou-se nas "Majas al Balcone" ( Majas à varanda) de Francisco Goya para construir a composição deste quadro.

A tela, nos quadros dos dois artistas, está dividida em duas pela linha recta do varandim, colocada em primeiro plano.

Francisco Goya

"Majas à Varanda"

1800-1814

Óleo sobre tela - 194,8x125,7 cm

Metropolitan Museum of Art , Nova Iorque

Nesta obra, Manet, sobre o fundo escuro em tons de castanho e preto, pintou a brancura dos vestidos das duas raparigas, apenas o verde azulado da varanda e das persianas quebra o equilíbrio entre os brancos e os negros.

Este tema inspirou, alguns anos mais tarde, outro pintor - René Magritte.

René Magritte

"Perspectiva II: O Balcão de Manet"

1950

Óleo sobre tela - 81x60 cm

Museum van Hedendaagse Kunst, Bélgica

No quadro de Magritte, as figuras da obra de Manet foram substituídas por caixões, no entanto, o resto da composição mantém-se.

O lugar dos vivos é ocupado por objectos mortos e o que mais me choca e angustia, ao observar este quadro, é precisamente o facto de o lugar do senhor vestido de preto e das duas jovens vestidas de branco ser ocupado por símbolos da morte. Os caixões adoptam a mesma posição das figuras do quadro de Manet (de pé o homem e uma das jovens, sentada a outra jovem, atrás o jovem criado)  numa atitude antropomórfica. 

Dadaísmo ou a arte do absurdo

Vivemos dias de incerteza e desesperança, de angústias e desigualdades, mas há que encontrar saídas e caminhos para o futuro.
Quantas vezes, ao longo da História, não existiram períodos semelhantes. Semelhantes, sim, mas não iguais, porque a mesma água não passa duas vezes por baixo da mesma ponte.
São períodos assim, como os que estamos a viver, que geram desilusões e uma vontade de desafiar as ideias convencionais.

E foi saltitando de reflexão em reflexão que "desaguei" no período conturbado da 1ª Guerra Mundial e no Dadaísmo. Não sei explicar esta associação de ideias, mas também não importa, não foi o Dadaísmo o movimento artístico do absurdo?


Tudo começou em 1916, no "Cabaret Voltaire", em Zurique, onde, em plena 1ª Guerra Mundial, um grupo de artistas emigrados, liderados por Tristan Tzara, Hugo Ball e Hans Arp se insurgiram contra os valores artísticos e culturais daquela época e desafiaram o mundo desenfreado em que viviam.
" (...) O Dadaísmo deu aos artistas uma plataforma para contestarem os valores académicos e vanguardistas. Fundamentalmente anarquista, o Dadaísmo foi inicialmente uma reacção aos horrores da guerra e aos sistemas que a haviam causado.
A arte, poesia e espectáculos dadaístas não eram "organizados", nem coesos, mas uma expressão pessoal de raiva, sátira, crítica e negação." *

O Dadaísmo ocorreu entre 1916 e 1922 e mais do que um movimento, foi um fenómeno artístico que tinha uma atitude comum em relação ao fazer e ao pensar a arte. Confrontou o irracional e o absurdo com os valores burgueses ultrapassados. Fez tábua rasa de todas as convenções ideológicas, artísticas e políticas e pretendeu recriar uma estética e uma arte a partir de processos que pareciam ser destrutivos e autodestrutivos.
"Porém, a abolição da arte tão ambicionada pelos dadaístas não era tão simples como eles pensavam: a rebelião contra o conceito burguês de arte, que os dadaístas pretendiam com a sua anti-arte, só podia funcionar se os produtos e reproduções assim obtidas fossem tidos como "arte".
Se a categoria "arte" deixava de desempenhar uma função importante na avaliação dos trabalhos, as obras anti-artísticas perdiam a sua potencialidade provocante e por consequência a sua força explosiva." **

Os artistas dadaístas não tiveram um estilo uniforme, o que os unia era uma ideia de protesto contra os valores corruptos da sociedade burguesa, para eles responsáveis pelos horrores da guerra. Apesar de se viver este período trágico, o dadaísmo expandiu-se e teve uma rápida difusão internacional, de Zurique passou para Barcelona, Berlim, Colónia, Hanover, Nova Iorque e Paris.
Após o fim da Guerra, os jovens sentiam necessidade de exprimir a sua alegria por estarem vivos. era a vitória da vida sobre a morte, da paz sobre a guerra.
Mais tarde, por volta de 1963, Tristan Tzara, um dos fundadores do dadaísmo, afirmou: " Dada não foi somente o absurdo, a sátira, Dada foi uma expressão muito  forte dos jovens, nascida durante a guerra de 1914. O que nós queríamos era fazer tábua rasa dos valores em curso, em proveito dos valores humanos mais altos".

Marcel Duchamp ( 1887-1968) foi talvez o artista que melhor conseguiu captar esta atitude iconoclasta, quando, em 1919, pegou numa reprodução da Mona Lisa e nela desenhou um bigode e uma barbicha e acrescentou uma legenda com cinco letras - L.H.O.O.Q. ("elle a chaud au cul" - ela tem o rabo quente)

Marcel Duchamp

"L.H.O.O.Q."

1919

Lápis sobre uma gravura de Mona Lisa de Leonardo da Vinci - 19,4x12,2 cm

Colecção privada

Também Francis Picabia (1879-1953) adoptou uma abordagem irreverente face às convenções sociais e artísticas. As suas obras centram-se na imagem da máquina como uma metáfora do carácter absurdo e desumano do mundo moderno, um exemplo é o quadro "Rapariga nascida sem mãe" (1916-18).

Mas foi na Alemanha que os artistas Dada adoptaram uma abordagem política mais aberta.
No quadro "Mutilados jogando às cartas", Otto Dix representou três homens a jogar às cartas num café da cidade.
Cada figura apresenta-se mutilada, substituindo-lhe os membros por próteses e desenhando-lhe as faces atadas e remendadas.

Otto Dix

"Mutilados jogando às cartas"

1920

Óleo sobre tela - 110x87 cm

Berlim, Nationalgalerie

Há nesta obra uma ligação muito explícita aos horríveis danos causados pela guerra.


O Dadaísmo pretendia obrigar as pessoas a pensarem e a mudarem de mentalidade.
O pintor francês Francis Picabia dizia que  " a cabeça é redonda, para que o pensamento possa ir mudando de direcção" e porventura nestes dias confusos que vivemos, precisávamos de fenómenos dadaístas.


* Newall, Diana - "Compreender a Arte" - Editorial Estampa, Lisboa, 2008
** Kraube, Anna-Carola - "História da Pintura - do Renascimento aos nossos dias" - Könemann, Colónia, 2001

Os trabalhos de Eva Afonso

Eva Afonso

"Sem Título"

2012

Óleo sobre tela - 60x50 cm

A não perder ... Exposição retrospectiva de Berthe Morisot

Mais uma vez escrevo sobre Berthe Morisot, porque cerca de 150 obras (óleos, pastéis, aguarelas e desenhos) desta artista estão patentes, desde 8 de Março (Dia Internacional da Mulher - não deve ter sido escolhida, por acaso, esta data  para a inauguração) até ao próximo dia 1 de Julho, no Museu Marmottan Monet, em Paris.
Esta retrospectiva homenageia a grande pintora impressionista Berthe Morisot, e dá realce à presença feminina nas artes plásticas, tantas vezes, melhor dizendo, sempre tão esquecida.
A selecção das obras, em exposição, mostra o percurso desta mulher, desde o período da formação junto de Camille Corot, até aos seus últimos trabalhos.
É uma caminhada pela arte delicada de Berthe Morisot, que escolheu como tema central da sua obra a celebração da mulher e da criança.

Cartaz da Exposição

 

Esta é uma exposição a não perder ...

Observando um Quadro ... de Berthe Morisot - nº 22

Volto a Berthe Morisot e à sua obra-prima: "O Berço".

Berthe Morisot

"O Berço"

1872

Óleo sobre óleo - 56x46 cm

Neste quadro Morisot retrata a sua irmã mais nova, Edma, contemplando a sua segunda filha, Blanche, deitada no berço.

Nele capta toda a doçura deste momento de intimidade em que a mãe "guarda" o sono da filha.

Este trabalho foi o primeiro em que Morisot abordou o tema da maternidade - e que se tornou mais tarde um dos seus temas preferidos.

Há nesta obra grande intensidade afectiva, o que levou alguns críticos a ver nela uma abordagem moderna do tema da Natividade.

Observando este quadro vemos que o braço esquerdo da mãe, que está inclinada sobre o berço, assim como o braço e os olhos fechados da criança formam uma linha diagonal que une a mãe à sua filha.

O gesto de Edma, puxando o folho da cortina do berço entre o observador e a criança, reforça o sentimento de intimidade e o amor protector expresso neste quadro.

Como já escrevi, este quadro foi exibido, em 1874, na 1ª Exposição Impressionista e importantes críticos, embora não tendo aceitado bem esta Exposição Independente, comentaram a graça e a elegância de "O Berço".

Berthe Morisot utilizou, neste quadro, um conjunto cromático e uma doçura que revelam a influência de um dos seus Mestres - Camille Corot, e de algumas pinturas do século XVIII, à maneira de Fragonard; mas no tratamento da cena e nos contrastes de tons escuros e explosões de brancos pode ver-se a influência de Édouard Manet.

Os críticos ressaltaram este uso do branco afirmando: " Vejam quão maravilhosamente ela lida com o branco nos seus quadros; ninguém até agora usou o branco de uma forma tão extraordinária".

É, sem dúvida, um quadro com um tema repleto de doçura.

Desafios ... Resposta: Impressionismo

Resposta ao desafio anterior - Impressionismo

Autora - Berthe Morisot
Obra - "O Berço"


O quadro apresentado, no post anterior, pertence ao movimento impressionista, intitula-se "O Berço", foi pintado por Berthe Morisot em 1872 e exposto na 1ª Exposição Impressionista (1874).
Esta exposição independente foi organizada para reagir contra o ensino e as convenções académicas e  além das de Morisot,  foram expostas obras de Pissarro, Renoir, Cézanne, Degas, Monet ...
A crítica não aceitou bem os temas e a forma de pintar destes artistas, no entanto, Morisot teve algumas críticas favoráveis.
Castagnary, crítico de arte, escreveu, sobre este quadro de Berthe Morisot, o seguinte:
"Não é possível encontrar imagens mais graciosas, tratadas com maior deliberação, do que "O Berço" ...  a execução está em perfeita sintonia com a ideia a exprimir."
Berthe Morisot participou em todas as exposições dos impressionistas ( de 1874 a 1886), com excepção da 4ª mostra, em 1879, ano em que nasceu a sua filha, Julie.

Berthe Morisot nasceu em França, em 1841, no seio de uma família da alta burguesia, numa época em que as mulheres não tinham possibilidades de se tornarem artistas profissionais.
Foi numa sociedade dominada por homens que Berthe Morisot mostrou vontade e força para se dedicar profissionalmente à pintura, mesmo após o seu casamento com Eugène Manet (irmão de Édouard Manet), chegando mesmo a afirmar:
"Os homens tendem a acreditar que enchem toda a vida de uma pessoa, mas, quanto a mim, acho que, independentemente do afecto que uma mulher dedique ao marido não lhe é fácil romper com uma vida de trabalho".
Muitas mulheres, algumas muito talentosas, abandoram a pintura, pois não lhes era facultada a conciliação entre o trabalho e o matrimónio.
A própria Berthe Morisot, apesar de se ter revelado a maior expoente feminina do impressionismo, não conseguiu fugir ao domínio masculino, sendo-lhe inscrito na sua certidão de óbito (1895) : " sem ocupação" e identificada no seu jazigo como: " Berthe Morisot, viúva de Eugène Manet".

Desafio ...

Como há pouco tempo passou mais um Dia dedicado a todas as Mães, lembrei-me deste quadro repleto de ternura e que reflecte uma ligação muito forte entre mãe/filho.

E a respeito deste quadro lanço um desafio, que considero não ser muito difícil, aguardo simplesmente, que indique a que movimento artístico pertence esta obra.

Espero pela sua colaboração.

Bom desafio ...